Música
Orígenes
Musica Medieval
Barroco
Música Novo Hispana
Orígenes
MÚSICA
Historia de la Música
La Titanesa Mnemosine preside el uso de la Memoria en todas sus formas.
El recuerdo y el conocimiento.
El conocimiento en forma de recuerdos hilvanados por relaciones
Ella es la madre (por Zeus) de las nueve musas.
Euterpe (La dadora de delicias) presidia la música y la poesía lírica. Su hermana Erato, presidía sobre la poesía erótica.
Tal vez la imitación de los pájaros así como las llamadas de otros animales junto con los arrullos y otras expresiones humanas nos dieron las primeras melodías.
Al mismo tiempo que Euterpe nos regalaba delicias, Calíope y Polyhymnia, junto con Clío, urdían poesía épica, elocuencia e himnos sagrados.
La poesía épica consistía en un relato, una saga, un acontecimiento histórico contado y/o cantado. Se necesitaba un verso más largo y los medios para hacerlo “cantar”.
La música ritual dependía inmediatamente de las palabras, la repetibilidad y el efecto. Instrumentos
La Lira
Instrumento de cuerda rasgada y a veces punteada, esencialmente una cítara de mano construida sobre un armazón de concha de tortuga (chelys), generalmente con siete o más cuerdas afinadas en las notas de uno de los modos. La lira era un instrumento popular, asociado al culto de Apolo. Se utilizaba para acompañar a otros o incluso a uno mismo en la recitación y el canto, y era el instrumento de formación convencional para una educación aristocrática.
Mitología Según el Himno homérico a Hermes, después de robar el ganado sagrado de su hermano Apolo, Hermes se inspiró para construir un instrumento con un caparazón de tortuga; unió cuernos y cuerdas de tripa al caparazón e inventó la primera lira. Posteriormente, Hermes regaló su lira a Apolo, que se interesó por el instrumento, en pago por el ganado robado. En otros relatos, Hermes regaló su recién inventada lira a Anfión, hijo de Zeus y hábil músico
Kithara
La citara o kithara (griego: κιθάρα, romanizado: kithāra, latín: cithara) era un antiguo instrumento musical griego de la familia de los laúdes de yugo. En el griego moderno la palabra kithara ha pasado a significar “guitarra”, palabra que etimológicamente proviene de kithara. La kithara era una versión profesional de siete cuerdas de la lira, que se consideraba un instrumento rústico o popular, apropiado para enseñar música a los principiantes. A diferencia de la lira, más sencilla, la kithara era utilizada principalmente por músicos profesionales, llamados kitharodes. Los orígenes de la kithara son probablemente anatolios.
Barbitos
Una versión más grande y grave de la cítara, considerada como jónica oriental, un instrumento exótico y algo extraño. Era el instrumento principal de la apreciada poeta de la antigüedad Safo, y a menudo se asociaba con los sátiros. Videos
https://www.youtube.com/results?search_query=barbiton+instrument
Kanonaki
Es un salterio trapezoidal, inventado por los pitagóricos en el siglo VI a.C., puede tener orígenes micénicos. Se sujetaba sobre los muslos del músico y se punteaba con ambas manos con púas de hueso. Videos. 
Arpa
Las arpas son uno de los instrumentos de cuerda más antiguos que se conocen, y ya las utilizaban los sumerios y los egipcios mucho antes de que estuvieran presentes en Grecia. La versión antigua del arpa se asemeja a un arco, con las cuerdas conectadas a la parte superior e inferior del mismo. Las cuerdas son perpendiculares a la caja de resonancia, mientras que las de una lira son paralelas.
Flauta de Pan
(griego συριγξ) El syrinx , también conocido como flauta de pan es un antiguo instrumento musical basado en el principio del tubo parado, que consiste en una serie de tales tubos de longitud gradualmente creciente, afinados (por corte) a una escala deseada. El sonido se produce soplando por la parte superior del tubo abierto (como si se soplara por la tapa de una botella). Videos
Mitología.Según la Metamorfosis de Ovidio, la Sirinx original era una náyade, una ninfa del agua, que huyó de Pan después de que éste intentara cortejarla. Mientras huía, se encontró con un río infranqueable y rogó a sus hermanas que la transformaran para poder escapar de Pan. Sus hermanas ninfas transformaron a Syrinx en un manojo de cañas que Pan encontró y con el que fabricó un instrumento, la flauta de pan o syrin
Aulos
Consiste de dos tubos de doble caña (como un oboe), que no están unidos, sino que generalmente se tocan con una banda bucal para mantener ambos tubos firmemente entre los labios del músico. Las reconstrucciones modernas indican que producían un sonido grave, parecido al del clarinete. Hay cierta confusión sobre la naturaleza exacta del instrumento; las descripciones alternativas indican que son de una sola lengüeta en lugar de doble. Se asocia con el culto a Dionisio.Videos
Mitología.Según la Duodécima Oda Pítica de Píndaro, después de que Perseo decapitara a Medusa, Atenea “encontró” o “inventó” el aulos para reproducir el lamento de las hermanas de Medusa. Como se utiliza la misma palabra griega para “encontrar” e “inventar”, no está claro; sin embargo, el escritor Telestes, del siglo V, afirma que Atenea encontró el instrumento en un matorral. En el ensayo de Plutarco Sobre la contención de la ira, escribe que Atena, tras ver su reflejo mientras tocaba el aulos, tiró el instrumento porque distorsionaba sus rasgos faciales al tocarlo. Después, el sátiro Marsyas recogió su aulos y lo tomó como propio
Salpinx
Una trompeta de latón utilizada para las llamadas militares, e incluso competida en los Juegos Olímpicos. Varias fuentes mencionan este instrumento de metal con boquilla de hueso. Videos.
Este tipo de trompeta eventualmente llegó a Roma por medio de los Etruscos y se convirtió en la tuba Romana. Un artículo interesante sobre la historia de los instrumentos de viento lo podemos encontrar en la Enciclopedia Británica. 
Percusion
Tímpano
Un tipo de tambor de marco o pandereta. Era circular, poco profundo y se golpeaba con la palma de la mano o con un palo.
Crótalo
Una especie de badajo o castañuela que se utiliza en las danzas religiosas de los grupos. Koudounia
Instrumentos de campana hechos de cobre. Videos
Tipos de Cantos populares
Himnos
Composición métrica cuyo texto se dirige a un dios, directa o indirectamente. Son el tipo formal más antiguo de la música griega, y sobreviven en un número relativamente grande[ Los Himnos Homéricos son particularmente interesantes. Son llamados Homéricos por que conservan el metro de hexámetro dactílico usado por Homero..
Los himnos más antiguos se escribieron probablemente en el siglo VII a.C., algo más tarde que Hesiodo y la fecha generalmente aceptada para la redacción de las epopeyas homéricas. Esto sigue situando a los antiguos Himnos Homéricos entre los monumentos más antiguos de la literatura griega; pero aunque la mayoría de ellos fueron compuestos en los siglos VII y VI AC, unos pocos pueden ser Hellenisticos, y el Himno a Ares podría ser una obra pagana tardía, insertada cuando se observó que faltaba un himno a Ares. Videos
Himno de triunfo
Se cantaban comúnmente en honor o culto a Apolo, así como a Atenea, y solían expresar solemnemente la esperanza de ser liberados de un peligro, también se cantaban en acción de gracias después de una victoria o una fuga. Videos.
Prosodion
Tipo de himno o procesión que invoca o alababa a un dios. Los prosodiums solían cantarse en el camino hacia un altar o santuario, antes o después de un panegírico . Videos
Hyporchema
El hyporchema (en griego: ὑπόρχημα) era un tipo de danza mímica animada que acompañaba los cantos utilizados en el culto a Apolo, especialmente entre los Dorios. Lo interpretaban hombres y mujeres.
Un coro de cantantes en las fiestas de Apolo solía bailar alrededor del altar, mientras que otras personas eran designadas para acompañar la acción del canto con una interpretación mímica adecuada. El Hyporchema era, pues, una danza lírica, y a menudo pasaba a lo lúdico y cómico, por lo que Athenaeus lo comparaba con el cordax la comedia. Según Müller, al igual que toda la música y la poesía de los dorios, se originó en Creta, pero se introdujo en una época temprana en la isla de Delos, donde parece que se siguió representando hasta la época de Luciano.
Ditirambo
Suelen cantarse alegremente en las celebraciones de los festivales, y se interpretan especialmente en la dedicación a Dionisio, el dios del vino. Los ditirambos estaban formados por coros de hombres y niños acompañados por un aulista.
Notación; La música Griega, al igual que la música del medio oriente y de la india, no tenían notación específica. Este hecho es particularmente interesante porque la cadencia y el ritmo estaban ligadas de manera inextricable a la prosodia de sus respectivos lenguajes. Existe la conjetura de que la música y el lenguaje nacieron al mismo tiempo. De hecho, en la mitología Griega, Euterpe es la musa que preside sobre la música y sobre la poesía lírica. En la poesía mélica de Safopodemos apreciar como la cadencia de las sílabas de los poemas genera la música de las canciones.. Un verso Sáfico esta definido for tres líneas que consisten de dos troqueos, un dáctilo y dos troqueos y una cuarta línea consistente de un dáctilo y un troqueo (verso Adónico).
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Las barras en notación musical moderna nos dan una idea -imprecisa- del ritmo de la escansión mostrada. Dependiendo del lenguaje y de las palabras específicas, la longitud de las sílabas varía, además, el tono y la adición de melismas, appoggiaturas, portamento, etc. hacen variar el resultado final.
A partir de Pitágoras, la notación musical comenzó a evolucionar. En el excelente artículo de Tim Hansen sobre música Griega podemos profundizar mas sobre los orígenes de la notación musical.
Modos. Los modos en música preceden a la notación formal y en general se refieren a afinaciones en instrumentos de cuerda o voces a lo largo de una escala diatónica.
Modos definidos por la distancia en pasos en la escala diatónica. W= Un paso, H= medio paso.
relative
Modo Secuencia Ejemplo
Ionio o Jónico W–W–H–W–W–W–H C–D–E–F–G–A–B–C Twist and shout
Dorio W–H–W–W–W–H–W D–E–F–G–A–B–C–D So what
b
c
d
e
f
g
|
II III IV V VI VII |
Secuencia W–H–W–W–W–H–W H–W–W–W–H–W–W W–W–W–H–W–W–H W–W–H–W–W–H–W W–H–W–W–H–W–W H–W–W–H–W–W–W |
Joe RobinsonJoe RobinsonEjemplo D–E–F–G–A–B–C–D So what E–F–G–A–B–C–D–E Africa Brass session F–G–A–B–C–D–E–F Glass enclosure G–A–B–C–D–E–F–G Joe Robinson A–B–C–D–E–F–G–A All along the watch tower B–C–D–E–F–G–A–B His holy modal majesty ………………………………………… |
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Escala Pentatónica
Ensambles
LyrAvlos
Musica Medieval
Música Secular Bizantina
Kassia Himnos. (810 – 865)
Música Celta Medieval
- Girart de Rousillon (810 – 879)
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-
Cancion
- Canción de Gesta
- Canción de Guillaume (c. 1100)
Hildegard von Bingen (1098- 1179)
- Trovadores (1100–1350)
c Siglo 12 al 13 Los Goliardos
- Motetes
- Adam de La Halle (1245 – 1285)
Perotin. Escuela de Notre Dame.
- Johannes Ciconia (c. 1370 –1412)
Loyset Comperre (1445 -1518)
Alexander Agricola (1457 – 1506)
- Fortuna Desperata
- Ballad
Francesco Landini (1335-1397)
Lorenzo da Firenze c. 1348
- A poste messe (Canon para la cacería)
- Siento de Amor la Flama
Jacopo da Bologna (1340 – 1386)
- Madrigals Imperio IslámicoWallada bint al-Mustakfi (Córdoba, 994-1091)
Codex Calixtinus 1138- 1145
Alfonso X de Castilla El Sabio (1221–1284) . Cantigas de Santa Maria
Codex Las Huelgas c. 1300
Barroco
| Europa ………
Camerata Bardi
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(c) Ruben Juarez 2021
Música Novo Hispana
MÚSICA NOVOHISPANA.
CRONOLOGÍA.
Ivan Juárez Lopez. M.A. Music , Bloomington Indiana.
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1519. 1601? 1603. Así andando. 1605. ESO RIGOR E’ REPENTE XICOCHI CONETZINTLE 25 de Septiembre de 1629, Stabat Mater Ensaladilla 31 de Marzo de 1648. Kyrie misa a 11 del 4to. Tono Ay Galeguiños Canarios Mexicano y Españól siglo XVII 21 de Abril de 1654. Tantum ergo 1ro. De Junio de 1655. Quien sale aqueste dia disfrazado 1679. Tarará qui yo soy Antón O sacrum convivum 1715. COMO AUNQUE CULPA ANGELICAS MILICIAS 1727 AVE MARIA YA MURIO MI REDENTOR 1749 MAGNIFICAT CUANDO LA PRIMAVERA MAGNIFICAT QUONIAM 1792 SANCTUS. MISA EN RE MAYOR (LA GRANDE) |
Pintura novohispana |
Música Barroca
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La música del barroco, un período que abarca aproximadamente desde principios del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII, representa una de las épocas más fascinantes y prolíficas en la historia de la música occidental. Caracterizada por su ornamentación elaborada, emotividad expresiva y una rica variedad de formas musicales, la música barroca refleja las transformaciones culturales, sociales y políticas de Europa durante ese tiempo.
Desde las majestuosas composiciones de Johann Sebastian Bach hasta las apasionadas óperas de Claudio Monteverdi y las obras innovadoras de Antonio Vivaldi, la música barroca ofrece un vasto tesoro de obras maestras que continúan cautivando y inspirando a oyentes de todo el mundo hasta el día de hoy. En esta introducción, exploraremos los principales aspectos estilísticos, compositores destacados y el legado perdurable de la música barroca.
Orígenes de la Música Barroca
La música barroca surge en Europa durante el período histórico conocido como la era barroca, que abarca aproximadamente desde principios del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII. Este período está marcado por profundos cambios culturales, sociales, políticos y religiosos en toda Europa, que influyeron significativamente en el desarrollo de la música.
El auge del humanismo y el surgimiento de la imprenta permitieron una mayor difusión de la música, mientras que el patronazgo de la iglesia y de la nobleza proporcionó un ambiente propicio para el florecimiento de la música tanto sacra como secular.
Además, la invención de nuevos instrumentos musicales, avances en la teoría musical y el crecimiento de la ópera como forma de arte importante contribuyeron al desarrollo de la música barroca.
Instrumentos de la Música del Barroco
Durante el período barroco, los instrumentos musicales fueron ampliamente utilizados en una variedad de contextos, incluyendo la música de cámara, religiosa y secular. Estos instrumentos, como el clavecín, el violín, el órgano, la flauta dulce, la trompeta y otros, desempeñaron roles específicos según el género musical. En la música religiosa, como la música litúrgica, el órgano era esencial, mientras que en la música de cámara, conjuntos como el trío sonata y el cuarteto de cuerda utilizaban combinaciones específicas de instrumentos para crear música íntima y expresiva.
En la música secular, especialmente en la ópera, los instrumentos proporcionaban acompañamiento dramático y expresivo para la acción escénica y la narrativa musical. En conjunto, la variedad de instrumentos utilizados durante el período barroco contribuyó a la diversidad y riqueza de la música de esta época.
CLAVECÍN O CLAVICORDIO
Durante el período barroco, el clavecín fue un instrumento de teclado central. Se caracterizaba por su mecanismo de plectros que golpeaban las cuerdas para producir un sonido brillante y distintivo. Fue utilizado tanto como instrumento solista como en continuo, proporcionando acompañamiento armónico en conjuntos de cámara y orquestas. Su capacidad para tocar rápidamente ornamentaciones y arpegios lo hizo ideal para la música barroca, donde la ornamentación elaborada era común. El clavecín fue un elemento omnipresente en la música de esa época, y su legado perdura hasta hoy como un símbolo del período barroco.
Obras para clavecín
ÓRGANO
Durante el período barroco, el órgano era un instrumento fundamental en la música sacra y secular. Era conocido por su capacidad para producir una amplia variedad de sonidos y dinámicas, gracias a sus numerosos registros y tubos. Utilizado principalmente en iglesias y salones nobles, el órgano proporcionaba un acompañamiento poderoso y solemne en la música litúrgica, así como también se destacaba en conciertos y obras de música de cámara. Su sonido majestuoso y su versatilidad lo convirtieron en un pilar de la música barroca, dejando un legado perdurable en la historia de la música.
Toccatas y Fugas de Johann Sebastian Bach: Bach compuso una serie de magníficas tocatas y fugas para órgano, incluyendo la famosa “Toccata y Fuga en Re menor, BWV 565”. Estas obras exhiben la destreza técnica del intérprete y la profundidad emocional del compositor.
Dietrich Buxtehude fue un destacado compositor de órgano en el período barroco. Sus obras, como las “Preludios y Fugas”, los “Coral Preludes” y las “Passacaglias”, son altamente apreciadas por su profundidad espiritual y su sofisticación contrapuntística.
La composición más reconocida de Jan Pieterszoon Sweelinck para órgano es su colección de variaciones sobre el himno “Mein junges Leben hat ein End” (Mi joven vida ha llegado a su fin).
Estas variaciones son altamente apreciadas por su complejidad y profundidad musical, mostrando la maestría de Sweelinck en el desarrollo temático y la exploración de diferentes estilos y técnicas.
Esta obra es considerada una de las cumbres del repertorio para órgano del Renacimiento tardío y ha influido en generaciones posteriores de compositores.
TROMPETA BARROCA
La trompeta barroca era un instrumento de viento metal utilizado ampliamente durante el período barroco. Se caracterizaba por su diseño más estrecho y su embocadura más pequeña en comparación con las trompetas modernas, lo que le confería un tono brillante y penetrante. La trompeta barroca tenía un registro limitado y carecía de válvulas, lo que requería una técnica especializada para producir diferentes notas mediante la modulación del flujo de aire y el uso de distintos tubos adicionales llamados “cambiadores”.
Este instrumento era muy apreciado por su capacidad para agregar brillo y esplendor a la música barroca, especialmente en las obras ceremoniales y festivas. Se destacaba en la interpretación de fanfarrias, oberturas y pasajes virtuosísticos, donde su sonido potente y brillante se hacía escuchar con fuerza. La trompeta barroca dejó una marca indeleble en la música de esa época, siendo un elemento clave en la orquesta barroca y un símbolo de la grandiosidad y la majestuosidad del período barroco.
TROMBÓN BARROCO
El trombón barroco era un instrumento de viento metal que se usaba en la música durante el período barroco. Se caracterizaba por su tubo largo y recto, a menudo con una campana más estrecha en comparación con los trombones modernos, y su boquilla de forma más pequeña. A diferencia de los trombones modernos, el trombón barroco carecía de válvulas, lo que significaba que los músicos debían utilizar sus labios y el control del aire para producir diferentes notas y efectos.
Este instrumento era apreciado por su sonido cálido, rico y resonante, que podía agregar profundidad y color a la música barroca. Se utilizaba tanto en conjuntos de cámara como en orquestas, así como en música sacra y secular. El trombón barroco a menudo se destacaba en obras corales y en pasajes virtuosísticos, donde su sonido potente y expresivo se hacía escuchar con fuerza.
Aunque menos común que otros instrumentos de viento metal en la música barroca, el trombón barroco dejó una marca distintiva en el repertorio de esa época, siendo un elemento importante en la creación de sonidos grandiosos y emotivos.
Concierto en re mayor.
Trompeta de Daniel Crespo.
Orquesta Buenos Ayres Barroco 1er mov
FLAUTA DULCE
La flauta dulce del período barroco era un instrumento de viento madera con un tono suave y dulce, caracterizado por su construcción de madera y su diseño de agujero simple. Se utilizaba ampliamente en la música barroca temprana, tanto en la música de cámara como en la música pastoral. La flauta dulce era especialmente popular en la interpretación de melodías delicadas y expresivas, y su sonido suave la hacía ideal para evocar atmósferas íntimas y emotivas en la música de esa época. Aunque ha sido menos prominente en períodos posteriores, la flauta dulce del período barroco sigue siendo apreciada por su encanto y su contribución al paisaje sonoro de la música barroca.
Bremer Barockorchester
CUERNO BARROCO
El cuerno barroco, también conocido como “corno da caccia”, era un instrumento de viento metal utilizado durante el período barroco. Se caracterizaba por su forma curva, similar a la de un cuerno de caza, y por su embocadura de una sola caña. Tenía un tubo largo y estrecho, generalmente hecho de latón o cobre, y carecía de válvulas, lo que significaba que los músicos tenían que cambiar la longitud del tubo con la mano derecha para producir diferentes notas.
El cuerno barroco tenía un timbre cálido y resonante, con un sonido más suave y redondeado que el de la trompeta. Se utilizaba principalmente en la música de cámara y la música sacra, así como en obras corales y cantatas. A menudo se asociaba con temas pastorales y bucólicos, y su sonido evocador se utilizaba para representar la naturaleza y las escenas rurales en la música barroca.
Aunque el cuerno barroco no era tan común como otros instrumentos de viento metal de la época, dejó una huella en la música barroca, especialmente en las obras de compositores como Johann Sebastian Bach y Georg Philipp Telemann, quienes lo incluían ocasionalmente en sus composiciones para agregar color y textura al sonido de la orquesta.
El corno barroco fue utilizado en diversas composiciones de música barroca. Algunas de las piezas más destacadas que involucran el corno barroco incluyen:
- Cantatas de Johann Sebastian Bach: Bach empleó el corno barroco en varias de sus cantatas, como “Was mir behagt, ist nur die muntre Jagd” (BWV 208) y “Gott der Herr ist Sonn und Schild” (BWV 79), donde el instrumento añade un carácter pastoral y evocador.
- Música Orquestal: El corno barroco también se encuentra en algunas obras orquestales de compositores barrocos, como Georg Philipp Telemann y Johann Friedrich Fasch. A menudo se utiliza en pasajes de carácter bucólico o en obras con temas pastorales.
- Música de cámara: En la música de cámara barroca, el corno barroco a veces se incluye en ensambles más pequeños, como tríos y cuartetos, proporcionando un sonido único y colorido.
- Música Sacra: Aparte de las cantatas de Bach, el corno barroco se encuentra ocasionalmente en música sacra de otros compositores, donde puede desempeñar un papel significativo en la expresión del texto religioso.
Estas son solo algunas de las piezas en las que el corno barroco puede ser encontrado. Aunque menos común que otros instrumentos de la época, su distintivo timbre y su versatilidad lo convirtieron en una adición valiosa al paisaje sonoro de la música barroca.
El clarín o bugle (del francés bugle, este del inglés bugle [horn], “cuerno de caza”, y este del latín bucŭlus, “buey joven”, porque se hacía con cuerno de búfalo1) es un instrumento de viento, englobado en la sección de los metales. Es semejante en su diseño a la corneta natural, pero de menor tamaño. También cuenta con una embocadura en forma copa y un pabellón acampanado. La boquilla (de metal o cobre) es semiesférica.
El sonido que produce es agudo. Por lo general, el clarín no tiene válvulas, lo que significa que sólo produce armónicos naturales. Sin embargo, algunos clarines tienen una válvula que baja una cuarta la afinación.
El clarín barroco, o clarín de bajos, fue un instrumento relativamente poco común durante el período barroco y, por lo tanto, su presencia en la música de esa época es limitada en comparación con otros instrumentos. Sin embargo, hay algunas piezas en las que se puede encontrar el clarín barroco:
- Obras de Johann Sebastian Bach: Bach escribió algunas piezas que incluyen el clarín barroco, como la “Cantata BWV 143: Lobe den Herrn, meine Seele” y la “Cantata BWV 144: Nimm, was dein ist, und gehe hin”. En estas obras, el clarín barroco a menudo se asocia con la música sacra y es parte del conjunto instrumental.
- Música de cámara: En algunas obras de música de cámara del período barroco, como sonatas o suites, el clarín barroco ocasionalmente se incluye como parte del conjunto instrumental. Sin embargo, estas piezas son menos comunes y pueden ser difíciles de encontrar.
- Música militar y ceremonial: El clarín barroco a veces se utilizaba en música militar y ceremonial durante el período barroco. Se encontraría en obras que requieren un carácter festivo y grandioso, como algunas oberturas y música para ocasiones especiales.
Debido a su relativa rareza y limitada presencia en la música del período, las piezas que utilizan el clarín barroco son menos conocidas en comparación con las que involucran otros instrumentos más comunes de la época.
Tímpanos o timbales
El timbal o timpani tuvo un papel importante en la música barroca como parte de la sección de percusión de la orquesta barroca. Su función era proporcionar ritmo y énfasis, así como añadir color y dramatismo a la música. En la música barroca, los timbales se utilizaban principalmente en obras orquestales, música de cámara y música sacra.
Los timbales barrocos consistían en grandes tambores de metal afinados a diferentes alturas mediante el uso de pedales o llaves. Se tocaban con baquetas de madera o fieltro, y su sonido resonante y penetrante se utilizaba para resaltar momentos dramáticos o para añadir efectos ornamentales a la música.
Festival de Música Antigua Úbeda y Baeza FeMAUB
Oboe
El taille , también llamado taille de hautbois o oboe alto , era un oboe tenor barroco afinado en fa. Tenía el cuerpo recto, una campana abierta y dos llaves. [1]
El instrumento fue utilizado por primera vez en Alcidiane por Jean-Baptiste Lully en 1658 y en conjuntos franceses conocidos como bandes de hautbois , en los que tocaba las líneas internas de composiciones polifónicas. JS Bach lo empleó cuando se necesitaba un oboe grave para doblar las partes de viola en varias de sus cantatas , pero casi exclusivamente en movimientos de naturaleza jubilosa o ruidosa debido a que tenía un sonido más penetrante que el del cor inglés. (https://en.wikipedia.org/wiki/Taille_(instrument))
Teoría y Notación de la Música Barroca
La música del período barroco se caracterizó por el desarrollo de la tonalidad y la consolidación de formas musicales como la fuga, el concierto y la sonata.
La música barroca se caracterizó por su enfoque en la técnica virtuosa, el virtuosismo instrumental y la fusión de la música vocal e instrumental. Los compositores barrocos buscaban crear obras impresionantes y llamativas, utilizando una amplia variedad de formas y estilos para lograrlo. Algunos temas comunes en la música barroca incluyen la religión, la política y la mitología. Se prestaba especial atención a la polifonía y al contrapunto, buscando una síntesis entre los diferentes elementos musicales.
La teoría de la música barroca se basa en dos pilares fundamentales:
1. Contrapunto: El contrapunto es una técnica de composición musical que combina dos o más melodías independientes de forma simultánea. Esta técnica era fundamental para la música barroca y se utilizaba en una amplia variedad de géneros, desde la música vocal hasta la instrumental.
2. Teoría de los afectos: La teoría de los afectos es una idea que relaciona la música con las emociones. Se creía que la música podía provocar diferentes emociones en el oyente, y los compositores barrocos utilizaban esta idea para crear música que fuera expresiva y conmovedora.
Otras características importantes de la teoría musical barroca:
Uso de la armonía tonal: Ésta utiliza una nota central, la tónica, para establecer una jerarquía tonal expresada mediante acordes y progresiones dentro de una clave. Se caracteriza por crear tensión y resolución a través de las relaciones entre los acordes, ofreciendo una estructura coherente en la música.
Uso del bajo continuo: El bajo continuo es una técnica que utiliza un instrumento de bajo (como el violonchelo o el contrabajo) para tocar una línea de bajo constante, mientras que otros instrumentos improvisan o tocan melodías contrapuntísticas por encima.
Uso de la ornamentación: La música barroca se caracteriza por la ornamentación elaborada, que se añade a la melodía principal para crear interés y variedad.
Notación musical barroca:
La música barroca utilizaba el sistema de notación musical occidental estándar, aunque con algunas diferencias respecto a la notación moderna. Por ejemplo, las partituras barrocas tendían a tener menos indicaciones de interpretación y articulación que las partituras modernas, dejando más espacio para la interpretación personal del músico. Además, la notación barroca a menudo incluía adornos específicos escritos como pequeños símbolos encima o al lado de las notas.
Las notaciones musicales en el período barroco eran fundamentales para transmitir las complejidades de las composiciones. Se utilizaban técnicas como el bajo continuo, el contraste dinámico, la ornamentación melódica y formas musicales como la fuga y el concierto grosso. Los instrumentos típicos incluían cuerdas, teclado, viento y voz, siendo la ópera y la música vocal géneros destacados en esta época.
Aquí hay un resumen de algunos aspectos clave de la teoría musical barroca y sus notaciones:
- Tonalidad: Durante el Barroco, se estableció el sistema tonal que sigue siendo fundamental en la música occidental hasta el día de hoy. Este sistema se basaba en la jerarquía de tonalidades mayores y menores, con la tonalidad principal establecida al principio de una pieza y modulaciones regulares a tonalidades relacionadas. La armonía estaba basada en los acordes diatónicos y en las progresiones armónicas que seguían patrones tonales predefinidos.
- Contrapunto y Fuga: El contrapunto, la técnica de combinar varias líneas melódicas independientes, era una parte integral de la música barroca. La fuga, una forma específica de contrapunto, se desarrolló ampliamente durante este período, con compositores como Johann Sebastian Bach escribiendo obras maestras en este género.
- Bajo continuo: El bajo continuo, también conocido como “basso continuo” o “figured bass”, era una práctica común en la música barroca. Consistía en una línea de bajo que se escribía en la partitura con cifrado numérico que indicaba los acordes que debían tocarse. Los músicos encargados del bajo continuo improvisaban un acompañamiento adecuado basado en estos cifrados.
- Ornamentación: La ornamentación era una parte importante de la interpretación musical barroca. Los músicos estaban entrenados para improvisar y agregar adornos como trinos, mordentes, grupettos y apoyaturas para embellecer la melodía y añadir expresividad. A menudo, los compositores dejaban la ornamentación al criterio del intérprete, aunque a veces incluían ornamentación específica en la partitura.
La notación musical barroca es similar a la notación musical moderna, pero existen algunas diferencias importantes:
- Uso de claves diferentes: La música barroca se escribe en una variedad de claves, incluyendo la clave de sol, la clave de fa y la clave de do.
- Uso de figuras de valor diferentes: La música barroca utiliza una variedad de figuras de valor diferentes, incluyendo las redondas, las blancas, las negras, las corcheas y las semicorcheas.
- Uso de ligaduras y articulaciones: La música barroca utiliza una variedad de ligaduras y articulaciones para indicar cómo se deben tocar las notas.
La música barroca se distingue por su ornamentación elaborada, sus contrastes emocionales y el uso del bajo continuo, entre otras características que definieron su estilo único y expresivo. Las notaciones musicales desempeñaron un papel crucial en la interpretación y transmisión de las obras barrocas, reflejando la complejidad y riqueza de este período musical.
La ornamentación en la música barroca
La ornamentación en la música barroca es una característica distintiva y vital de este período. Se refiere a la práctica de agregar adornos o decoraciones a la música, como trinos, mordentes, apoyaturas, grupettos y otras figuras ornamentales, con el fin de embellecer la melodía, expresar emociones y realzar la expresividad de la interpretación.
La ornamentación en la música barroca no estaba siempre escrita en la partitura de forma explícita. En muchos casos, se dejaba a discreción del intérprete agregar adornos basados en la práctica y el estilo de la época, así como en su propia creatividad y habilidades técnicas. Esto resultaba en interpretaciones altamente individualizadas y personalizadas de la música.
La ornamentación también podía variar según el género musical y la región geográfica. Por ejemplo, la ornamentación utilizada en una ária de ópera barroca italiana podía diferir de la ornamentación en una suite de danzas francesa o una sonata de iglesia alemana.
Bien templado
Bien temperado / Buen temperamento (wohltemperierte)
“Bien templado” se refiere al sistema de afinación igual, también conocido como temperamento igual. En este sistema, las doce notas musicales dentro de una octava están divididas en intervalos iguales, lo que permite que todas las tonalidades suenen aceptablemente afinadas. Esto es en contraste con los sistemas de afinación desiguales utilizados anteriormente, donde cada tonalidad tenía sus propias características de afinación únicas y algunas tonalidades sonaban más consonantes que otras.
El término musical “bien templado” se asocia especialmente con la obra de Johann Sebastian Bach , titulada “Das wohltemperierte Klavier”, El clave bien temperado. Esta obra es una colección de dos libros de preludios y fugas para teclado que abarcan todas las tonalidades mayores y menores. Bach escribió esta obra para demostrar las posibilidades musicales del sistema de afinación igual y su capacidad para explorar todas las tonalidades de manera equilibrada.
“Das wohltemperierte Klavier”, El clave bien temperado es un conjunto de preludios y fugas escritas en cada tonalidad del sistema temperado igual. Esta obra es un ejemplo destacado de cómo el temperamento igual permitió a los compositores barrocos explorar una amplia gama de tonalidades y expresiones musicales con una afinación uniforme y precisa
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Compositores de música del periodo barroco
Jan Pieterszoon Sweelinck (1562-1621)
Jan Pieterszoon Sweelinck (1562-1621) fue un compositor, organista y pedagogo holandés que desempeñó un papel importante en la transición musical del Renacimiento al Barroco.
Nació en Deventer, Países Bajos, y luego se mudó a Ámsterdam, donde se desempeñó como organista en la Oude Kerk. Las composiciones de Sweelinck incluyen tanto música para teclado como música coral sacra y secular, siendo su música para teclado particularmente reconocida. Fue influyente como profesor, con alumnos notables como Samuel Scheidt y Heinrich Scheidemann. El estilo compositivo de Sweelinck fue innovador; introdujo partes de pedales independientes y desarrolló formas como la fuga, que más tarde influyó en compositores como JS Bach.
Claudio Monteverdi (1567–1643)
Claudio Monteverdi es una figura clave en la transición entre la música del Renacimiento y del Barroco, y ha tenido una gran influencia en la música barroca. Sus madrigales y otras obras han sido fundamentalmente importantes en el desarrollo de estilos musicales posteriores, y su enfoque retórico en la música ha sido reconocido como revolucionario.
Monteverdi combinó la herencia de la polifonía renacentista con la nueva técnica del bajo continuo barroco. Su música requiere orquestas más pequeñas y otorga un papel menos prominente al coro, destacando melodías más cálidas y una representación más cercana a los personajes. Además, Monteverdi fue innovador en la ópera, siendo pionero en este género con obras como “L’Orfeo” y “La coronación de Poppea”
Girolamo Frescobaldi ( 1583 – 1643)
Girolamo Frescobaldi fue un influyente compositor y organista italiano del período Barroco. Nació en Ferrara en 1583 y se destacó tanto como intérprete como compositor. Frescobaldi es especialmente conocido por su contribución al desarrollo del género del toccata y su influencia en la música de teclado.
Sus obras son reconocidas por su innovación armónica y su complejidad contrapuntística. Frescobaldi también fue un virtuoso del órgano y el clavecín, y sus composiciones reflejan su habilidad técnica y su profundo conocimiento de la teoría musical.
Entre sus obras más destacadas se encuentran las colecciones de toccatas, ricercari, capriccios y otras piezas para teclado. Algunas de sus obras más conocidas incluyen las “Toccate e partite d’intavolatura di cimbalo”, “Il secondo libro di toccate, canzone, versi d’hinni, magnificat, gagliarde, correnti et altre partite d’intavolatura di cimbalo et organo”, y “Fiori musicali”. Su legado perdura como una figura importante en la historia de la música, y su influencia se extendió por toda Europa, dejando una marca indeleble en el desarrollo de la música barroca.
Heinrich Schutz (1585 – 1672)
Heinrich Schütz (1585-1672) fue un compositor alemán del Barroco, considerado uno de los más importantes de la época y el más destacado antes de Johann Sebastian Bach. Schütz estudió en Venecia con Giovanni Gabrieli, absorbiendo las influencias italianas que luego incorporaría en su música.
Su música se caracterizó por su uso del contrapunto, la polifonía y la orquestación de cámara. Schütz fue un pionero en la música sacra alemana, y sus obras, como “Musikalische Exequien” y “Psalmen Davids”, son ejemplos de su enfoque innovador en la música de iglesia. Además de su trabajo en la música sacra, Schütz también fue conocido por sus obras profanas, como sus canciones y madrigales. Su música tuvo una gran influencia en la música alemana y europea del Barroco, y sigue siendo admirada por su belleza y originalidad.
Jean-Baptiste Lully(1632 – 1687)
Jean-Baptiste Lully (1632-1687) fue un influyente compositor y músico italiano-francés, conocido por su contribución al desarrollo de la ópera francesa y por su asociación con la corte del rey Luis XIV de Francia. Lully desempeñó un papel fundamental en la creación del estilo de la ópera francesa, estableciendo la forma de la tragedia lírica, una combinación de música, danza y teatro que se convirtió en la forma dominante de ópera en Francia durante el siglo XVII.
Además de su trabajo en la ópera, Lully también fue un destacado compositor de música de cámara y música sacra. Es conocido por su habilidad para escribir música de danza, así como por su uso innovador de la orquesta y su técnica distintiva de marcación de tempo, conocida como “lullyisme”.
Algunas de sus obras más famosas incluyen la ópera “Armide”, “Atys” y “Cadmus et Hermione”. A través de su música, Lully dejó un legado duradero en la música francesa y europea, influyendo en generaciones posteriores de compositores y músicos.
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