Música del Barroco
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La música del barroco, un período que abarca aproximadamente desde principios del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII, representa una de las épocas más fascinantes y prolíficas en la historia de la música occidental. Caracterizada por su ornamentación elaborada, emotividad expresiva y una rica variedad de formas musicales, la música barroca refleja las transformaciones culturales, sociales y políticas de Europa durante ese tiempo.
Desde las majestuosas composiciones de Johann Sebastian Bach hasta las apasionadas óperas de Claudio Monteverdi y las obras innovadoras de Antonio Vivaldi, la música barroca ofrece un vasto tesoro de obras maestras que continúan cautivando e inspirando a oyentes de todo el mundo hasta el día de hoy. En esta introducción, exploraremos los principales aspectos estilísticos, compositores destacados y el legado perdurable de la música barroca.
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Orígenes de la Música del Barroco
La música barroca surge en Europa durante el período histórico conocido como el periodo barroco, que abarca aproximadamente desde principios del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII. Esta epoca estuvo marcada por profundos cambios culturales, sociales, políticos y religiosos en toda Europa, que influyeron significativamente también en el desarrollo de la música.
El Renacimiento, que precedió al período barroco, sentó las bases para muchas de las ideas musicales que se desarrollarían posteriormente. Sin embargo, fue durante el barroco cuando estas ideas se expandieron y se transformaron en nuevas formas y estilos musicales.
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Instrumentos de la Música del Barroco
Durante el período barroco, el clavecín fue un instrumento de teclado central. Se caracterizaba por su mecanismo de plectros que golpeaban las cuerdas para producir un sonido brillante y distintivo. Fue utilizado tanto como instrumento solista como en continuo, proporcionando acompañamiento armónico en conjuntos de cámara y orquestas. Su capacidad para tocar rápidamente ornamentaciones y arpegios lo hizo ideal para la música barroca, donde la ornamentación elaborada era común. El clavecín fue un elemento omnipresente en la música de esa época, y su legado perdura hasta hoy como un símbolo del período barroco.
Organo
Durante el período barroco, el órgano era un instrumento fundamental en la música sacra y secular. Era conocido por su capacidad para producir una amplia variedad de sonidos y dinámicas, gracias a sus numerosos registros y tubos. Utilizado principalmente en iglesias y salones nobles, el órgano proporcionaba un acompañamiento poderoso y solemne en la música litúrgica, así como también se destacaba en conciertos y obras de música de cámara. Su sonido majestuoso y su versatilidad lo convirtieron en un pilar de la música barroca, dejando un legado perdurable en la historia de la música.
Trompeta
La trompeta barroca era un instrumento de viento metal utilizado ampliamente durante el período barroco. Se caracterizaba por su diseño más estrecho y su embocadura más pequeña en comparación con las trompetas modernas, lo que le confería un tono brillante y penetrante. La trompeta barroca tenía un registro limitado y carecía de válvulas, lo que requería una técnica especializada para producir diferentes notas mediante la modulación del flujo de aire y el uso de distintos tubos adicionales llamados “cambiadores”.
Este instrumento era muy apreciado por su capacidad para agregar brillo y esplendor a la música barroca, especialmente en las obras ceremoniales y festivas. Se destacaba en la interpretación de fanfarrias, oberturas y pasajes virtuosísticos, donde su sonido potente y brillante se hacía escuchar con fuerza. La trompeta barroca dejó una marca indeleble en la música de esa época, siendo un elemento clave en la orquesta barroca y un símbolo de la grandiosidad y la majestuosidad del período barroco.
Trombon Barroco
El trombón barroco era un instrumento de viento metal que se usaba en la música durante el período barroco. Se caracterizaba por su tubo largo y recto, a menudo con una campana más estrecha en comparación con los trombones modernos, y su boquilla de forma más pequeña. A diferencia de los trombones modernos, el trombón barroco carecía de válvulas, lo que significaba que los músicos debían utilizar sus labios y el control del aire para producir diferentes notas y efectos.
Este instrumento era apreciado por su sonido cálido, rico y resonante, que podía agregar profundidad y color a la música barroca. Se utilizaba tanto en conjuntos de cámara como en orquestas, así como en música sacra y secular. El trombón barroco a menudo se destacaba en obras corales y en pasajes virtuosísticos, donde su sonido potente y expresivo se hacía escuchar con fuerza.
Aunque menos común que otros instrumentos de viento metal en la música barroca, el trombón barroco dejó una marca distintiva en el repertorio de esa época, siendo un elemento importante en la creación de sonidos grandiosos y emotivos.
“cambiadores”.
Este instrumento era muy apreciado por su capacidad para agregar brillo y esplendor a la música barroca, especialmente en las obras ceremoniales y festivas. Se destacaba en la interpretación de fanfarrias, oberturas y pasajes virtuosísticos, donde su sonido potente y brillante se hacía escuchar con fuerza. La trompeta barroca dejó una marca indeleble en la música de esa época, siendo un elemento clave en la orquesta barroca y un símbolo de la grandiosidad y la majestuosidad del período barroco.
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FLAUTA DULCE
La flauta dulce del período barroco era un instrumento de viento madera con un tono suave y dulce, caracterizado por su construcción de madera y su diseño de agujero simple. Se utilizaba ampliamente en la música barroca temprana, tanto en la música de cámara como en la música pastoral. La flauta dulce era especialmente popular en la interpretación de melodías delicadas y expresivas, y su sonido suave la hacía ideal para evocar atmósferas íntimas y emotivas en la música de esa época. Aunque ha sido menos prominente en períodos posteriores, la flauta dulce del período barroco sigue siendo apreciada por su encanto y su contribución al paisaje sonoro de la música barroca.
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Corno Barroco
El cuerno barroco, también conocido como “corno da caccia”, era un instrumento de viento metal utilizado durante el período barroco. Se caracterizaba por su forma curva, similar a la de un cuerno de caza, y por su embocadura de una sola caña. Tenía un tubo largo y estrecho, generalmente hecho de latón o cobre, y carecía de válvulas, lo que significaba que los músicos tenían que cambiar la longitud del tubo con la mano derecha para producir diferentes notas.
El cuerno barroco tenía un timbre cálido y resonante, con un sonido más suave y redondeado que el de la trompeta. Se utilizaba principalmente en la música de cámara y la música sacra, así como en obras corales y cantatas. A menudo se asociaba con temas pastorales y bucólicos, y su sonido evocador se utilizaba para representar la naturaleza y las escenas rurales en la música barroca.
Aunque el cuerno barroco no era tan común como otros instrumentos de viento metal de la época, dejó una huella en la música barroca, especialmente en las obras de compositores como Johann Sebastian Bach y Georg Philipp Telemann, quienes lo incluían ocasionalmente en sus composiciones para agregar color y textura al sonido de la orquesta.
Clarin
El clarín barroco, o clarín de bajos, fue un instrumento relativamente poco común durante el período barroco y, por lo tanto, su presencia en la música de esa época es limitada en comparación con otros instrumentos. Sin embargo, hay algunas piezas en las que se puede encontrar el clarín barroco:
- Obras de Johann Sebastian Bach: Bach escribió algunas piezas que incluyen el clarín barroco, como la “Cantata BWV 143: Lobe den Herrn, meine Seele” y la “Cantata BWV 144: Nimm, was dein ist, und gehe hin”. En estas obras, el clarín barroco a menudo se asocia con la música sacra y es parte del conjunto instrumental.
- Música de cámara: En algunas obras de música de cámara del período barroco, como sonatas o suites, el clarín barroco ocasionalmente se incluye como parte del conjunto instrumental. Sin embargo, estas piezas son menos comunes y pueden ser difíciles de encontrar.
- Música militar y ceremonial: El clarín barroco a veces se utilizaba en música militar y ceremonial durante el período barroco. Se encontraría en obras que requieren un carácter festivo y grandioso, como algunas oberturas y música para ocasiones especiales.
Oboe
El taille , también llamado taille de hautbois o oboe alto , era un oboe tenor barroco afinado en fa. Tenía el cuerpo recto, una campana abierta y dos llaves. [1]
El instrumento fue utilizado por primera vez en Alcidiane por Jean-Baptiste Lully en 1658 y en conjuntos franceses conocidos como bandes de hautbois , en los que tocaba las líneas internas de composiciones polifónicas. JS Bach lo empleó cuando se necesitaba un oboe grave para doblar las partes de viola en varias de sus cantatas , pero casi exclusivamente en movimientos de naturaleza jubilosa o ruidosa debido a que tenía un sonido más penetrante que el del cor inglés. (https://en.wikipedia.org/wiki/Taille_(instrument))
Teoría y Notación de la Música Barroca
La música del período barroco se caracterizó por el desarrollo de la tonalidad y la consolidación de formas musicales como la fuga, el concierto y la sonata.
La música barroca se caracterizó por su enfoque en la técnica virtuosa, el virtuosismo instrumental y la fusión de la música vocal e instrumental. Los compositores barrocos buscaban crear obras impresionantes y llamativas, utilizando una amplia variedad de formas y estilos para lograrlo. Algunos temas comunes en la música barroca incluyen la religión, la política y la mitología. Se prestaba especial atención a la polifonía y al contrapunto, buscando una síntesis entre los diferentes elementos musicales.
La teoría de la música barroca se basa en dos pilares fundamentales:
1. Contrapunto: El contrapunto es una técnica de composición musical que combina dos o más melodías independientes de forma simultánea. Esta técnica era fundamental para la música barroca y se utilizaba en una amplia variedad de géneros, desde la música vocal hasta la instrumental.
2. Teoría de los afectos: La teoría de los afectos es una idea que relaciona la música con las emociones. Se creía que la música podía provocar diferentes emociones en el oyente, y los compositores barrocos utilizaban esta idea para crear música que fuera expresiva y conmovedora.
Otras características importantes de la teoría musical barroca:
Notación musical barroca:
La música barroca utilizaba el sistema de notación musical occidental estándar, aunque con algunas diferencias respecto a la notación moderna. Por ejemplo, las partituras barrocas tendían a tener menos indicaciones de interpretación y articulación que las partituras modernas, dejando más espacio para la interpretación personal del músico. Además, la notación barroca a menudo incluía adornos específicos escritos como pequeños símbolos encima o al lado de las notas.
Las notaciones musicales en el período barroco eran fundamentales para transmitir las complejidades de las composiciones. Se utilizaban técnicas como el bajo continuo, el contraste dinámico, la ornamentación melódica y formas musicales como la fuga y el concierto grosso. Los instrumentos típicos incluían cuerdas, teclado, viento y voz, siendo la ópera y la música vocal géneros destacados en esta época.
Aquí hay un resumen de algunos aspectos clave de la teoría musical barroca y sus notaciones:
La ornamentación en la música barroca
La ornamentación en la música barroca es una característica distintiva y vital de este período. Se refiere a la práctica de agregar adornos o decoraciones a la música, como trinos, mordentes, apoyaturas, grupettos y otras figuras ornamentales, con el fin de embellecer la melodía, expresar emociones y realzar la expresividad de la interpretación.
La ornamentación en la música barroca no estaba siempre escrita en la partitura de forma explícita. En muchos casos, se dejaba a discreción del intérprete agregar adornos basados en la práctica y el estilo de la época, así como en su propia creatividad y habilidades técnicas. Esto resultaba en interpretaciones altamente individualizadas y personalizadas de la música.
La ornamentación también podía variar según el género musical y la región geográfica. Por ejemplo, la ornamentación utilizada en una ária de ópera barroca italiana podía diferir de la ornamentación en una suite de danzas francesa o una sonata de iglesia alemana.
Bien temperado / Buen temperamento (wohltemperierte)
“Bien templado” se refiere al sistema de afinación igual, también conocido como temperamento igual. En este sistema, las doce notas musicales dentro de una octava están divididas en intervalos iguales, lo que permite que todas las tonalidades suenen aceptablemente afinadas. Esto es en contraste con los sistemas de afinación desiguales utilizados anteriormente, donde cada tonalidad tenía sus propias características de afinación únicas y algunas tonalidades sonaban más consonantes que otras.
El término musical “bien templado” se asocia especialmente con la obra de Johann Sebastian Bach , titulada “Das wohltemperierte Klavier”, El clave bien temperado. Esta obra es una colección de dos libros de preludios y fugas para teclado que abarcan todas las tonalidades mayores y menores. Bach escribió esta obra para demostrar las posibilidades musicales del sistema de afinación igual y su capacidad para explorar todas las tonalidades de manera equilibrada.
“Das wohltemperierte Klavier”, El clave bien temperado es un conjunto de preludios y fugas escritas en cada tonalidad del sistema temperado igual. Esta obra es un ejemplo destacado de cómo el temperamento igual permitió a los compositores barrocos explorar una amplia gama de tonalidades y expresiones musicales con una afinación uniforme y precisa
Compositores de música del periodo barroco
Jan Pieterszoon Sweelinck (1562-1621) fue un compositor, organista y pedagogo holandés que desempeñó un papel importante en la transición musical del Renacimiento al Barroco.
Nació en Deventer, Países Bajos, y luego se mudó a Ámsterdam, donde se desempeñó como organista en la Oude Kerk. Las composiciones de Sweelinck incluyen tanto música para teclado como música coral sacra y secular, siendo su música para teclado particularmente reconocida. Fue influyente como profesor, con alumnos notables como Samuel Scheidt y Heinrich Scheidemann. El estilo compositivo de Sweelinck fue innovador; introdujo partes de pedales independientes y desarrolló formas como la fuga, que más tarde influyó en compositores como JS Bach.
SWEELINCK
Claudio Monteverdi es una figura clave en la transición entre la música del Renacimiento y del Barroco, y ha tenido una gran influencia en la música barroca. Sus madrigales y otras obras han sido fundamentalmente importantes en el desarrollo de estilos musicales posteriores, y su enfoque retórico en la música ha sido reconocido como revolucionario.
Monteverdi combinó la herencia de la polifonía renacentista con la nueva técnica del bajo continuo barroco. Su música requiere orquestas más pequeñas y otorga un papel menos prominente al coro, destacando melodías más cálidas y una representación más cercana a los personajes. Además, Monteverdi fue innovador en la ópera, siendo pionero en este género con obras como “L’Orfeo” y “La coronación de Poppea”
Claudio Monteverdi
Girolamo Frescobaldi fue un influyente compositor y organista italiano del período Barroco. Nació en Ferrara en 1583 y se destacó tanto como intérprete como compositor. Frescobaldi es especialmente conocido por su contribución al desarrollo del género del toccata y su influencia en la música de teclado.
Sus obras son reconocidas por su innovación armónica y su complejidad contrapuntística. Frescobaldi también fue un virtuoso del órgano y el clavecín, y sus composiciones reflejan su habilidad técnica y su profundo conocimiento de la teoría musical.
Entre sus obras más destacadas se encuentran las colecciones de toccatas, ricercari, capriccios y otras piezas para teclado. Algunas de sus obras más conocidas incluyen las “Toccate e partite d’intavolatura di cimbalo”, “Il secondo libro di toccate, canzone, versi d’hinni, magnificat, gagliarde, correnti et altre partite d’intavolatura di cimbalo et organo”, y “Fiori musicali”. Su legado perdura como una figura importante en la historia de la música, y su influencia se extendió por toda Europa, dejando una marca indeleble en el desarrollo de la música barroca.
Girolamo Frescobaldi
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Heinrich Schütz (1585-1672) fue un compositor alemán del Barroco, considerado uno de los más importantes de la época y el más destacado antes de Johann Sebastian Bach. Schütz estudió en Venecia con Giovanni Gabrieli, absorbiendo las influencias italianas que luego incorporaría en su música.
Su música se caracterizó por su uso del contrapunto, la polifonía y la orquestación de cámara. Schütz fue un pionero en la música sacra alemana, y sus obras, como “Musikalische Exequien” y “Psalmen Davids”, son ejemplos de su enfoque innovador en la música de iglesia. Además de su trabajo en la música sacra, Schütz también fue conocido por sus obras profanas, como sus canciones y madrigales. Su música tuvo una gran influencia en la música alemana y europea del Barroco, y sigue siendo admirada por su belleza y originalidad.
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Henry Schutz
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Jean-Baptiste Lully (1632-1687) fue un influyente compositor y músico italiano-francés, conocido por su contribución al desarrollo de la ópera francesa y por su asociación con la corte del rey Luis XIV de Francia. Lully desempeñó un papel fundamental en la creación del estilo de la ópera francesa, estableciendo la forma de la tragedia lírica, una combinación de música, danza y teatro que se convirtió en la forma dominante de ópera en Francia durante el siglo XVII..
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Jean-Baptiste Lully
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Dietrich Buxtehude
Dieterich Buxtehude (German: [ˈdiːtəʁɪç bʊkstəˈhuːdə]; born Diderich Hansen Buxtehude,[1] Danish: [ˈtiðˀəʁek ˈhænˀsn̩ pukstəˈhuːðə]; c. 1637 – 9 May 1707)[2] was a Danish organist and composer of the Baroque period, whose works are typical of the North German organ school. As a composer who worked in various vocal and instrumental idioms, Buxtehude’s style greatly influenced other composers, such as Johann Sebastian Bach and George Frideric Handel. Buxtehude is considered one of the most important composers of the 17th century
Dieterich Buxtehude (alemán: [ˈdiːtəʁɪç bʊkstəˈhuːdə]; nacido Diderich Hansen Buxtehude,[1] danés: [ˈtiðˀəʁek ˈhænˀsn̩ pukstəˈhuːðə]; c. 1637 – 9 de mayo de 1707)[2] fue un organista y compositor danés de la época barroca, cuyas obras son típicas de la escuela organística del norte de Alemania. Como compositor que trabajó en varios lenguajes vocales e instrumentales, el estilo de Buxtehude influyó enormemente en otros compositores, como Johann Sebastian Bach y George Frideric Handel. Buxtehude está considerado uno de los compositores más importantes del siglo XVII.
Traducción de la cita de Wikipedia
Dietrich Buxtehude
Johann Sebastian Bach[n 1] (31 March [O.S. 21 March] 1685 – 28 July 1750) was a German composer and musician of the late Baroque period. He is known for his orchestral music such as the Brandenburg Concertos; solo instrumental works such as the cello suites and sonatas and partitas for solo violin; keyboard works such as the Goldberg Variations and The Well-Tempered Clavier; organ works such as the Schubler Chorales and the Toccata and Fugue in D minor; and choral works such as the St Matthew Passion and the Mass in B minor. Since the 19th-century Bach Revival, he has been generally regarded as one of the greatest composers in the history of Western music.[2][3]
Johann Sebastian Bach[n 1] (31 de marzo [21 de marzo] de 1685 – 28 de julio de 1750) fue un compositor y músico alemán del Barroco tardío. Es conocido por su música orquestal, como los Conciertos de Brandemburgo; obras instrumentales solistas, como las suites para violonchelo y las sonatas y partitas para violín solo; obras para teclado, como las Variaciones Goldberg y El clave bien temperado; obras para órgano, como los Corales de Schubler y la Tocata y fuga en re menor; y obras corales, como la Pasión de San Mateo y la Misa en si menor. Desde el renacimiento de Bach en el siglo XIX, se le considera uno de los más grandes compositores de la historia de la música occidental[2][3].
Traduccion de la cita de Wikipedia
Bach Clavecin
![[HD] Bach's Goldberg Variations [Glenn Gould, 1981 record] (BWV 988)](https://img.youtube.com/vi/p4yAB37wG5s/maxresdefault.jpg)
![Bach - The Art of Fugue, BWV 1080 [complete on Organ]](https://img.youtube.com/vi/Lrb0dHKJBR4/maxresdefault.jpg)
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Bach Organo
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Bach Cuerdas
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Bach Coral
LAntonio Lucio Vivaldi[n 2] (4 March 1678 – 28 July 1741) was an Italian composer, virtuoso violinist and impresario of Baroque music.[4] Along with Johann Sebastian Bach and George Frideric Handel, Vivaldi ranks amongst the greatest Baroque composers and his influence during his lifetime was widespread across Europe, giving origin to many imitators and admirers. He pioneered many developments in orchestration, violin technique and programmatic music.[5] He consolidated the emerging concerto form into a widely accepted and followed idiom
LAntonio Lucio Vivaldi[n 2] (4 de marzo de 1678 – 28 de julio de 1741) fue un compositor, violinista virtuoso y empresario italiano de música barroca[4]. Junto con Johann Sebastian Bach y George Frideric Handel, Vivaldi figura entre los más grandes compositores barrocos y su influencia en vida se extendió por toda Europa, dando origen a numerosos imitadores y admiradores. Fue pionero en muchos aspectos de la orquestación, la técnica violinística y la música programática[5], y consolidó la incipiente forma del concierto en un lenguaje ampliamente aceptado y seguido.
Traduccion de la cita de Wikipedia
Vivaldi concerti
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Vivaldi Opera
George Frideric (or Frederick) Handel (/ˈhændəl/;[a] baptised Georg Fried(e)rich Händel,[b] German: [ˈɡeːɔʁk ˈfʁiːdʁɪç ˈhɛndl̩] ⓘ; 23 February 1685 – 14 April 1759)[3][c] was a German-British Baroque composer well known for his operas, oratorios, anthems, concerti grossi, and organ concertos. Handel received his training in Halle and worked as a composer in Hamburg and Italy before settling in London in 1712, where he spent the bulk of his career and became a naturalised British subject in 1727.[5] He was strongly influenced both by the middle-German polyphonic choral tradition and by composers of the Italian Baroque. In turn, Handel’s music forms one of the peaks of the “high baroque” style, bringing Italian opera to its highest development, creating the genres of English oratorio and organ concerto, and introducing a new style into English church music. He is consistently recognized as one of the greatest composers of his age.
George Frideric (o Frederick) Haendel (/ˈhændəl/;[a] bautizado Georg Fried(e)rich Händel,[b] alemán: [ˈɡeːɔʁk ˈfʁiːdʁɪç ˈhɛndl̩] ⓘ; 23 de febrero de 1685 – 14 de abril de 1759)[3][c] fue un compositor barroco germano-británico conocido por sus óperas, oratorios, himnos, concerti grossi y conciertos para órgano. Händel se formó en Halle y trabajó como compositor en Hamburgo e Italia antes de establecerse en Londres en 1712, donde pasó la mayor parte de su carrera y se nacionalizó británico en 1727[5]. Estuvo muy influido tanto por la tradición coral polifónica germano-mediterránea como por los compositores del barroco italiano. A su vez, la música de Haendel constituye una de las cumbres del estilo “alto barroco”, llevando la ópera italiana a su máximo desarrollo, creando los géneros del oratorio inglés y el concierto para órgano, e introduciendo un nuevo estilo en la música eclesiástica inglesa. Se le reconoce sistemáticamente como uno de los más grandes compositores de su época.
Traducción de la cira de Wikipedia
George Frideric Handel Keyboard
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George Frideric Handel Opera
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George Friederich Handel
Giuseppe Domenico Scarlatti, also known as Domingo or Doménico Scarlatti (26 October 1685 – 23 July 1757), was an Italian composer. He is classified primarily as a Baroque composer chronologically, although his music was influential in the development of the Classical style. Like his renowned father Alessandro Scarlatti, he composed in a variety of musical forms, although today he is known mainly for his 555 keyboard sonatas.[1] He spent much of his life in the service of the Portuguese and Spanish royal families.
Giuseppe Domenico Scarlatti, también conocido como Domingo o Doménico Scarlatti (26 de octubre de 1685 – 23 de julio de 1757), fue un compositor italiano. Cronológicamente se le clasifica principalmente como compositor barroco, aunque su música influyó en el desarrollo del estilo clásico. Al igual que su célebre padre, Alessandro Scarlatti, compuso en diversas formas musicales, aunque hoy se le conoce principalmente por sus 555 sonatas para teclado[1]. Pasó gran parte de su vida al servicio de las familias reales portuguesa y española.
Traducción de la cita de Wikipedia
Marc-Antoine Charpentier (French: [maʁk ɑ̃twan ʃaʁpɑ̃tje]; 1643 – 24 February 1704[2]) was a French Baroque composer during the reign of Louis XIV. One of his most famous works is the main theme from the prelude of his Te Deum, Marche en rondeau. This theme is still used today as a fanfare during television broadcasts of the Eurovision Network and the European Broadcasting Union..
Marc-Antoine Charpentier (francés: [maʁk ɑ̃twan ʃaʁpɑ̃tje]; 1643 – 24 de febrero de 1704[2]) fue un compositor francés del Barroco durante el reinado de Luis XIV. Una de sus obras más famosas es el tema principal del preludio de su Te Deum, Marche en rondeau. Este tema se sigue utilizando hoy en día como fanfarria durante las retransmisiones televisivas de la Red de Eurovisión y de la Unión Europea de Radiodifusión….
Traducción de Wikipedia
Marc-Antoine Charpentier
![Marc-Antoine Charpentier - Medee [Théâtre des Champs-Elysées, 27 march 2023] [Hervé Niquet]](https://img.youtube.com/vi/-ywg1pnMqN8/maxresdefault.jpg)
Arcangelo Corelli (/kəˈrɛli/,[1][2] also UK: /kɒˈ-/,[3] US: /kɔːˈ-, koʊˈ-/,[3][4] Italian: [arˈkandʒelo koˈrɛlli]; 17 February 1653 – 8 January 1713)[5] was an Italian composer and violinist of the Baroque era. His music was key in the development of the modern genres of sonata and concerto, in establishing the preeminence of the violin, and as the first coalescing of modern tonality and functional harmony.[6]
Wikipedia
Arcangelo Corelli (/kəˈrɛli/,[1][2] también UK: /kɒˈ-/,[3] US: /kɔːˈ-, koʊˈ-/,[3][4] italiano: [arˈkandʒelo koˈrɛlli]; 17 de febrero de 1653 – 8 de enero de 1713)[5] fue un compositor y violinista italiano de la época barroca. Su música fue clave en el desarrollo de los géneros modernos de la sonata y el concierto, en el establecimiento de la preeminencia del violín y como primera coalescencia de la tonalidad moderna y la armonía funcional[6].
Traducción de Cita de Wikipedia
Arcangelo Corelli
Marin Marais (French: [maʁɛ̃ maʁɛ]; 31 May 1656, in Paris – 15 August 1728, in Paris) was a French composer and viol player. He studied composition with Jean-Baptiste Lully, often conducting his operas, and with master of the bass viol Monsieur de Sainte-Colombe for six months. In 1676 he was hired as a musician to the royal court of Versailles and was moderately successful there, being appointed in 1679 as ordinaire de la chambre du roy pour la viole, a title he kept until 1725.
He was the father of the composer Roland Marais (c. 1685 – c. 1750).
Marin Marais (francés: [maʁɛ̃ maʁɛ]; 31 de mayo de 1656, en París – 15 de agosto de 1728, en París) fue un compositor y violista francés. Estudió composición con Jean-Baptiste Lully, dirigiendo a menudo sus óperas, y con el maestro del violín bajo Monsieur de Sainte-Colombe durante seis meses. En 1676 fue contratado como músico en la corte real de Versalles, donde tuvo un éxito moderado. En 1679 fue nombrado ordinaire de la chambre du roy pour la viole, título que conservó hasta 1725.
Fue el padre del compositor Roland Marais (c. 1685 – c. 1750).
Traducción de cita de Wikipedia
Marin Marais
Henry Purcell (/ˈpɜːrsəl/, rare: /pərˈsɛl/;[n 1] c. 10 September 1659[n 2] – 21 November 1695) was an English composer of Baroque music.
Purcell’s musical style was uniquely English, although it incorporated Italian and French elements. Generally considered among the greatest English opera composers,[4] Purcell has been assessed with John Dunstaple and William Byrd as England’s most important early music composers.[5]
Henry Purcell (/ˈpɜːrsəl/, raro: /pərˈsɛl/;[n 1] c. 10 de septiembre de 1659[n 2] – 21 de noviembre de 1695) fue un compositor inglés de música barroca.
El estilo musical de Purcell era exclusivamente inglés, aunque incorporaba elementos italianos y franceses. Generalmente considerado entre los más grandes compositores ingleses de ópera,[4] Purcell ha sido valorado junto a John Dunstaple y William Byrd como los compositores de música antigua más importantes de Inglaterra[5].
François Couperin (French: [fʁɑ̃swa kupʁɛ̃]; 10 November 1668 – 11 September 1733[1]) was a French Baroque composer, organist and harpsichordist. He was known as Couperin le Grand (“Couperin the Great”) to distinguish him from other members of the musically talented Couperin family.
François Couperin (en francés: [fʁɑ̃swa kupʁɛ̃]; 10 de noviembre de 1668 – 11 de septiembre de 1733[1]) fue un compositor, organista y clavecinista francés del Barroco. Se le conocía como Couperin le Grand (“Couperin el Grande”) para distinguirlo de otros miembros de la familia Couperin, de gran talento musical.
François Couperin
Georg Philipp Telemann (German pronunciation: [ˈɡeːɔʁk ˈfiːlɪp ˈteːləman]; 24 March [O.S. 14 March] 1681 – 25 June 1767) was a German Baroque composer and multi-instrumentalist. He is one of the most prolific composers in history,[1] at least in terms of surviving oeuvre.[2] Telemann was considered by his contemporaries to be one of the leading German composers of the time, and he was compared favourably both to his friend Johann Sebastian Bach, who made Telemann the godfather and namesake of his son Carl Philipp Emanuel, and to George Frideric Handel, whom Telemann also knew personally.
Georg Philipp Telemann (pronunciación alemana: [ˈɡeːɔʁk ˈfiːlɪp ˈteːləman]; 24 de marzo [14 de marzo] de 1681 – 25 de junio de 1767) fue un compositor y multiinstrumentista barroco alemán. Es uno de los compositores más prolíficos de la historia,[1] al menos en lo que respecta a la obra conservada[2]. Sus contemporáneos consideraban a Telemann uno de los principales compositores alemanes de la época, y se le comparaba favorablemente tanto con su amigo Johann Sebastian Bach, que hizo de Telemann el padrino y tocayo de su hijo Carl Philipp Emanuel, como con George Frideric Handel, a quien Telemann también conocía personalmente.
Georg Philipp Telemann
Tomaso Giovanni Albinoni (8 June 1671 – 17 January 1751) was an Italian composer of the Baroque era. His output includes operas, concertos, sonatas for one to six instruments, sinfonias, and solo cantatas.[1] While famous in his day as an opera composer, he is known today for his instrumental music, especially his concertos.[2] He is best remembered today for a work called “Adagio in G minor“, attributed to him but largely written by Remo Giazotto, a 20th century musicologist and composer, who was a cataloger of the works of Albinoni.[3]
Tomaso Giovanni Albinoni (8 de junio de 1671 – 17 de enero de 1751) fue un compositor italiano del Barroco. Su producción incluye óperas, conciertos, sonatas para uno a seis instrumentos, sinfonías y cantatas solistas[1]. Aunque famoso en su época como compositor de óperas, hoy en día se le conoce por su música instrumental, especialmente por sus conciertos[2]. Hoy en día se le recuerda sobre todo por una obra llamada “Adagio en sol menor”, atribuida a él pero escrita en gran parte por Remo Giazotto, musicólogo y compositor del siglo XX, que fue catalogador de las obras de Albinoni[3].
